Jackson POLLOCK organizó en New York una exposición que dejó boquiabiertos y confundidos al publico, la crítica y al mundo del arte Norte Américano.Pollock rompió con la pintura figurativa al enterrar figuras esquematicas bajo una densa maraña de líneas realizadas mediante el goteo de la pintura sobre el lienzo.Esta tecnica le valió el apodo de "Jack el goteador".Pollock intentó suprimir cualquier tipo de contacto directo entre el artista y el lienzo.
Jackson Pollock renunció al caballete tradicional para colocar sus lienzos en el suelo del estudio y verte o dejar gotear sobre ellos la pintura.La mezcló con arena,con materiales solidos.Este estilo expresionista abstracto tenía mucho en común con las pinturas de "accion libre" del surrealismo.A Pollock no le preocupaban los convencionalismos y su creatividad no tenía límites.Fusionó con éxito los rasgos del cubismo el surrealismo y el expresionismo, y en una serie de cuadros de pintura vertida consolido su propio estilo y una tendencia pictorica.
El artista siempre en evolución intentó años después volver a una pintura más tradicional.Pollock fué víctima de una depresión progresiva que junto con su alcoholísmo le llevaron a la muerte en un accidente de coche cuando intentaba volver sin éxito a la pintura con pincel.
"El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibra adecuadamente el alma humana".
Esta frase de Kandinsky sintetiza una interpretación. no sólo suya, sino de toda una corriente que relaciona la música y la pintura modernara
"UN CUADRO DEBE ESTAR COMPUESTO COMO UNA SINFONIA, Y DEBE PERCIBIRSE COMO UNA SINFONIA DE LOS SENTIDOS Y DE LOS COLORES"
(Vassily Kandinsky)
Cuando encontré los maravillosos cuadros de José Linares, enseguida me vino a la mente la estrecha relación que existe entre la música y la pintura. Recuerdo haberle comentado a Linares,
¿Estas obras tienen algo que ver con el concierto de Aranjuez
del maestro Rodrigo?...
¿Son escenas del Amor brujo de Manuel de Falla?...
¿O son la visualización de las danzas fantásticas del maestro Joaquín Turina?....
"EL ARCO IRIS ES EN LA PINTURA LO QUE EL BAJO EN LA MUSICA" (Diderot)
Desde los tiempos de la ilustración ciertos autores relacionaban intimamente la música con la pintura y viceversa. Estas teorias analizan varios aspectos de la sinestesia en la pintura y la relación entre el oído y la visión en las artes. Tras describir la historia de la relación entre el sonido y la forma desde la filosofía órfica y las teorías pitagóricas, profundiza en los pensamientos de ciertos pensadores importantes (por ejemplo, Newton y Runge) sobre las correspondencias entre las notas musicales y los colores del arco iris o la rueda y la esfera de colores. Más adelante, la tesis estudia los mitos y conceptos de la espiritualidad relativos al sonido y el color que ejercieron gran influencia en muchos artistas del siglo XX, a través de escuelas de pensamiento como la teosofía y la psicología, estudiadas por pintores, músicos y filósofos importantes en la evolución de las artes a principios del siglo XX como por ejemplo, Goethe, Rudolf Steiner, y sobre todo...Vassily Kandinsky.
La concepción de "Kandinky de una pintura que fuera capaz de reproducir la comunicación, "artista-cuadro-creador", se basaba en la música y su armonía: el color y el tono debían convertirse en armonías musicales, en los cuadros debían crearse acordes cromáticos que causaran en el espectador sentimientos de armonía o disonancias. Las reflexiones de Kandinsky sobre la gramática pictórica lograron un relativo orden en el análisis del color. Y para sistematizarlo se sirve del círculo cromático de Goethe. Los atributos del color, tales como claridad y oscuridad, se organizan sistemáticamente en el círculo; y a estas propiedades Kandinsky añade otras, de las cuales la principal es la sonoridad, insistiendo mucho en la correspondencia que observa entre colores e instrumentos. Así para él, el color rojo está asociado con el sonido de las trompetas, por ejemplo.
Kandinsky fue el iniciador de una nueva tendencia atística. la abstracción, que sólo a partir de la Segunda Guerra Mundial se extenderá por Europa y EE.UU. Su pintura eruptiva y lírica también prefigura el dibujo informal de los años cincuenta, y su nueva experiencia influirá en la historia del arte al liberar al color de la servidumbre del objeto. Kandinsky considera los colores y las formas en sí mismos como los medios más puros para la expresión pictórica de una emoción. Para alcanzar esta esencia del arte, se situó, como la música, ante una serie de formas inmateriales.
Eran los finales de la decada de los 90.El teatro MONUMENTAL de Madrid estaba al completo.Era casi media noche y en aquel instante nos hallabamos en el momento mas intimista de la actuacion.Joan Manuel SERRAT acababa de interpretar MEDITERRANEO y todas las luces se habian apagado.Solo un pequeño foco iluminaba su imagen sentado en su taburete de art decó. -"Hace mas de 20 años que compuse esta cancion de Mediterraneo.En ella queria que me enterrasen con vista al mar,pero viendo el desproposito de la raza humana,y como estan las cosas para el mar, lo mas seguro es que seamos nosotros, de seguir tratandolo asi, los que irremediablemente vallamos a su entierro.Por eso hice esta cancion en catalan titulada "LAMENTO AL MAR".Es una cancion que complementa de alguna manera "Mediterraneo". Una cancion que dice ;" Y despues de una pequeña traducción Serrat la cantaba y la gente se le entregaba rendida complice y participe de su ecologismo por que te hacia sentirlo dentro
(La Divina Proporción en el Constructivismo Universal de Torres-García)
Desde la simple concha de un Nautilo, hasta las proporciones morfológicas de una abeja, pasando por la construcción delrostro de la Mona Lisa, todo son proporciones áureas.
El “Hombre Perfecto de Vitrurio” que ilustra el libro de Luca Paciolila “Divina Proporción” donde las partes de su cuerpo son proporciones perfectas, en todos ellos aparece elNúmero de Oro.
El número áureo esta encerrado en la Gran Pirámide de Keops, circunscrito en los rectángulos de nuestro carnet de identidad, en la surrealista obra de Leda Atómica del universal ampurdanés Salvador Dalí.En la naturaleza misma, en el crecimiento de las plantas, enlos insectos, los animales, en el universo mismo...
Para el pintor Uruguayo Torres-García en la divina proporción se encontraba encerrado nuestro universo.
Sus composiciones constructivas se disponen en estructuras rectangulares y octogonáles pautadas por mediación de la sección áurea, trazos, líneas, símbolos e imágenes universales que transmiten del hombre lo más profundo de sus raíces. Lo animal, lo afectivo, lo humano, lo celestial, en definitiva el universo...
Esta inclinación innata de Joaquín Torres por la universalidad, le hizo único y diferente
....”Nuestro Norte, es y será siempre Nuestro Sur”...
De madre Uruguaya y padre Catalán, Torres-García se forma en España, conociendo aPicasso , aMiró, asimilando para sí el arte y el modernismo que reina en Europa.
Es el primer artista que funda una asociación de pintores Abstracto-Geométricos. Después de permanecer varios años en Nueva York, regresa al viejo continente y se instala en Paris. Allí conocerá a Theo Van Doesburg y a Mondrian, y juntos con Michel Seuphor fundaran y darán cuerpo y forma al grupo Cercle Et Carre.
Obra de Joaquin Torres Gacía
Elabora poco después, lo que aposteriori, le dará fama mundial y por lo que será reconocidotiempo después, los llamados fundamentos del Universalismo Constructivo.
Sus obras se distinguenpor la innovación en los sistemas de abstracción constructiva, por la importancia consustancial de la superficie pictórica y por sus afirmación sistemática de la función metafísica del Arte, más allá de la mera estética.
El Universalismo constructivo es el testamento teórico de Torres-García.
Funda así la primera asociación de Arte Constructico y más tarde la Escuela del Sur.
....”Hacer de lo ajeno, sustancia propia, y así crear una nueva y positiva originalidad nuestra...”
Torres propone así la creación de un estilo inédito hasta entonces, basado en sus conocimientos e ideas.
Obra de Joaquin Torres
La formación en su país natal de la Escuela del Sur, no es sino la profunda convicción de Torres de que la herencia del Arte Moderno y la del Arte autóctono Indoamericáno, darían como resultado un estilo de carácter único y de validez Universal...el universalismo constructivo....
NOTA:( La Idea Original de este Articulo-homenaje a Torres-Garcia, partió de la pintora Uruguaya Helena Arregui , que junto con los artistas Edson Franco y Alberto Nadroj, pertenecientes al grupo ARCADIA 2012, recopilaron los datos y crearon los dibujos para la confección de dicho artículo.)
Su particular y personal modo de interpretar la realidad y la fantasía, le situan en los mismos vertices del surrealismo ultranza y entra de lleno a formar parte en el denominado "arte fantástico."
La creatividad de René no tenía limites.A lo largo de su vida realizó más de 11.000 cuadros y 700 gouaches.Además,diseñó carteles e ilustró infinidad de partituras musicales.Sus obras se han convertidos en verdaderos iconos surrealistas, versionadas y recreadas por otros artitas hasta la saciedad.
En 1948 pinta "El salón de Dios"
Con esta obra daría comienzo el apasionante misterio entre el día y la noche que envolverá gran parte de la obra de Magritte.A partir de entonces la famosa serie "El imperio de las luces" inspiraría diversas recreaciones y variaciones del propio Magritte y de artistas diversos como Johan Meij.
"Yo me puedo imaginar un paisaje soleado bajo un cielo nocturno; pero verlos y plasmarlo en un cuadro, esto es cosa que sólo un dios podría hacer. Esperando que algún día me convierta en un dios, renuncio por lo pronto a realizar el proyecto"...(René Magritte)
"El Imperio de la Luz II"
Esta nueva versión de Magritte data de 1950
Como es habitual en el surrealismo,esta obra
obliga a reflexionar sobre lo que se suele aceptar como normal,al perturbarnos y distorsionar nuestra percepción corriente del mundo que nos rodea.En este caso, hechos tan habituales como la noche o el día.
El 1954 Magritte
vuelve a versionar el tema titulandolo: "El Imperio de las Luces".
El cuadro en su conjunto está impregnado de una atmósfera misteriosa y obsesiva,creada por la visión y reproducción casi fotográfica que hace Magritte de una simple escena cotidiana.La distorsión entre el día y la noche resulta así más profunda, por parecernos tan real pero a la vez ficticia.
"Todo lo que es visible oculta otra cosa invisible."
René Magritte
(Este artículo va dedicado a la pintora Argentina Elsa Gillari, por amar el arte, a Magritte y por enseñarme las cosas invisible que se esconden detras de ellos)
El pasado 25 de Noviembre en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, ubicado cerca de la popularmente conocida estación de atocha,se produjo un acontecimiento de extraña naturaleza...
En el "Reina Sofía", (uno de los museos más grandes del mundo y que alberga una de las colecciones permanentes más cotizadas del mundo del arte),un presunto indigente practicaba la mendicidad en los aledaños y principales puertas del museo,haciendose pasar por el mismisimo "ARTE".Unos artistas pertenecientes al grupo "Arcadia 2012" documentaron gráficamente el hecho en cuestión.
Aprovechando el marco incomparabla que brinda el Museo Nacional Centro de Arte, un grupo de artistas han llevado a cabo la puesta en escena de un performance-art titulado, Yo, Arte.Estos artistas pertenecen al grupo Arcadia 2012 Unión de artistas y creadores.
Un espacio diferente Ubicado en el antiguo Hospital General que Carlos III encargó al arquitecto Sabatini, declarado Monumento Histórico-Artístico en 1977, alberga una de las colecciones permanentes más cotizadas.
Con la creación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se dio solución a la necesidad de un proyecto museístico que reflejase la contemporaneidad artística española en relación con el contexto internacional. Su colección inicial se conformó con fondos de diversa procedencia, entre ellos los del extinguido Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC) y la colección de arte del siglo XX del Museo Nacional del Prado, que contaba con el importante conjunto de obras de Pablo Picasso relacionadas con Guernica. LOS FONDOS
Los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abarcan obras realizadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Hoy, la pinacoteca cuenta con aproximadamente 16.200 obras, que dan cabida a todo tipo de técnicas artísticas: en torno a 4.000 pinturas, más de 1.400 esculturas, casi 3.000 dibujos, más de 5.000 grabados, más de 2.600 fotografías, alrededor de 80 vídeos, una treintena de instalaciones y otras tantas vídeo-instalaciones, más de 100 piezas de artes decorativas y 30 de arquitectura. De ellas, sólo se exhibe formando parte de la exposición permanente una selección de aproximadamente un 2%. La Colección del Museo se configura actualmente como cauce donde fluye el relato de la modernidad artística española y su interacción con los discursos y las prácticas que vienen definiendo el quehacer artístico en el ámbito internacional, concibiendo este relato como un espacio crítico donde se produce el encuentro entre museo y sociedad.
ARTE ABSTRACTO-ACTION PAINTING,PINTORES CON CORAZON
Posiblemente sea con la "action painting"con la tendencia o el estilo que más disfruta y exterioriza su creatividad los pintores amantes del arte abstracto.
La PINTURA EN ACCION o PINTURA GESTUAL, como asi se denominó a este estilo, se formó en los finales de los años 50 y principios de los 60 en Estados Unidos.Sus principales creadores (J. Pollock,Franz Kline) tomaron como referencias los antiguos automatismos de Masson y de otros surrealistas.
Pintura dictada por impulsos interiores del artista que apartaba la "razón consciente"para dejar brotar la más inconsciente de las creatividades.
Como es este maravilloso cuadro de Helena Arregui, donde se nos transporta al mundo unico e interior del artista.
Pero las autenticas raices hay que buscarlas antes del surrealismo, entre l1910 y 1920. De la multitud y variedad de tendencias,estilos y movimientos pictoricos existentes en el mundo del arte, el llamado ARTE ABSTRACTO, es sin lugar a dudas, uno de los más transcendentes y significativos a lo largo de todos los tiempos y que más hondo a calado entre los pintores y artistas de distintas épocas.¿Cual es el motivo, cual es la razón de que esto sea asi?
J.Pollock decía:"Lo que se tenía que plasmar en la tela no era una imagen,sino un hecho, un sentimiento,una acción"
El arte abstracto representa formas que no corresponden , ni a objetos, ni a imagenes del mundo exterior, de ahí que el alma del artista tienda a transmitir desde el incosciente sus verdaderos sentimientos.Este es el principal calado entre los artista que pintan desde el corazon.
Articulo dedicado a Helena Arregui,una artista que crea desde lo más hondo de su interior.
El simbolismo tiene una difícil definición por no desarrollarse mediante un estilo concreto y unitario.
Es más bien, la concurrencia o concomitancia de estilos y encuentros pictóricos personales e individuales en los cuales los artistas concretan sus sentimientos,su fantasía, sus estados de animo y sus sueños.
(La pintora mejicana Ivonne Galván tomando como punto de partida un surrealismo "naturista y emotivo",llega con su obra a recrear una íntima expresión que acerca al espectador tanto a su experiencia personal como a su espiritualidad más profunda)
Los artistas de finales del siglo 19, tras la aparición de la "realidad objetiva" auspiciada por los nuevos conocimientos y avances tecnológicos de aquellos tiempos ,anhelaban una profundidad artistica más espiritual y la idea concreta del "sentimiento", que a su parecer debía expresar toda obra de Arte.
Los simbolistas dieron forma al mundo de su interior, a un mundo interior subjetivo y fisico, creando un movimiento "idealista" con sus obras y cuadros llenos de simbolos personales y significados propios.El simbolismo como movimiento es el lazo de unión entre el impresionismo y el expresionismo.Nexo postimpresionista inclinado hacía un modernismo que unió a los artistas tanto en la forma como en los contenidos.
(La pintora y escultora Argentina Elsa Gillari en su neosurrealismo se desmarca de otras influyentes corrientes artisticas para crear un mundo visual lleno de simbolos pictóricos con los que articula un idioma "abstractivo simbolista",lleno de personalidad e ingenio.)
Entre 1880 y 1900 todos los ambitos de creación artística se vieron afectados y los literatos y poetas que comulgaban con los pintores simbolistas, adoptaron un caracter de evasión y ensoñación personal, al tiempo que rechazaban el objetivismo,las tecnologías y el materialismo.Los simbolistas renegaban de la sociedad que percivian como DECADENTE y se consagraron a la espiritualidad y al sentimiento.
Albert Aurier Critico de ARTE:
El Arte debe de ser, "idealista", puesto que su ideal , es la expresion de las ideas .
Y tambien debe de ser ""simbolista" puesto que debe expresar dichas ideas atraves de formas.
datos e informacion para versionar un cuadro de George Braque.La obra en cuestión era; "Mujer con Mandolina,1910". Mis esbozos y bocetos siempre tenian por referencia, el primer cuadro cubista de forma oval que pintó Braque a comienzos del 1910.Recorrí varias paginas en la web para tener una vision lo más aproximada posible de la obra; tamaño,color ,texturas,etc...Hasta que me encontré con la sorpresa de que podia disponer de la oportunidad de ver el cuadro del cubista frances en vivo y en directo ya que el museo THYSSEN contaba con la obra de Braque dentro de su fantastica coleccion.
Visioné de inmediato la galeria virtual del Museothyssen-Bornemisza,y fue entonces cuando pinchando en el cuadro para ver la obra mas de cerca ,me translade imaginariamente con el pintor GAUGUIN a la mismisima Polinesia Francesa. Gauguin el pos-impresionista Frances que realizó sus mejores y mas famosos cuadros en aquellas islas de ensueño.Cuentan, que despues de su muerte,hicieron una exposicion retrospectiva en Francia, con los ultimos cuadro de Gauguin traidos desde las islas.Cuadros con imagenes de jovenes indigenas,paisajes frutales llenos de vivos colores y rezumando primitivismo,todos muy al estilo GAUGUIN.Todos menos uno.LLamaba la atencion por su exceso de blanco,nadie se atrevió a interpretarlo,pues nadie sabia que elementos de THAITI habian podido inspirar,supuestamente, aquella ultima obra de Gauguin.Pasado algun tiempo,alguien se dió cuenta de que el cuadro estaba COLGADO AL REVES.Dandole la vuelta se pudo apreciar un paisaje nevado con casas de su tierra natal. Y esto es lo que sucede cuando en la galeria virtual del Thyssen, pinchas con el "zoom" la obra de Braque "Mujer con Mandolina", que se pueden ver las casas de la Polinesia Francesa donde GAUGUIN pasó sus ultimos años de vida ,porque el cuadro tambien esta colgado al revés.
NOTA:( Una vez realizada la pertinente visita al museo "thyssen", pude comprobar que la obra en cuestion de G.Braque esta colgada correctamente.Dicha obra es la segunda versión de "muchacha o mujer con mandolina" que el pintor frances pintó en un intervalo de 6 meses.La primera versión que tenía forma "ovalada", no he podido encontrar nada de ella en toda la red.Es más, cuando la busco, vuelve a salir la versión que tiene el museo Thyssen en distintos sitios y en algunos de ellos para mi consternación vuelve a salir "invertita", ya que posiblemente la hayan capturado del mismo Thyssen.)
Cuando Todo Cambia para Siempre(100AÑOS DE CUBISMO)
CUANDO TODO CAMBIO PARA SIEMPRE-LAS PROSTITUTAS DE LA CALLE DE AVIÑON DE BARCELONA
Nadie podia imaginar que cuando PICASSO en 1907 enseñó a sus amigos por primera vez "Las señoritas D´Avignon" todo en el mundo del arte cambiaria para siempre.Esta pintura,que representa la escena de un burdel en la calle Aviñon de Barcelona, esta considerada hoy en dia, como la obra clave de la pintura moderna.La reaccion de sus amigos y conocidos al ver la obra fue de estupefaccion.Nadie podia entender como Pablo, que era un excelente dibujante, renunciaba de repente a cualquier imitacion de la realidad.
Cuando en 1916 fue expuesta por primera vez para todo el publico,aquellas mujeres desnudas sensuales de formas toscas y angulosas,provocaron un gran revuelo y todo un escandalo para la época. Para PICASSO la epoca del CUBISMO significó el final de su miserable vida en BATEAU-LAVOIR. Se hizo famoso y sus cuadros fueron cada dia mas cotizados. Se conservan mas de 800 bocetos y estudios de las señoritas de aviñon, en el que trabajo durante 9 meses Pablo Ruiz Picasso,para acabar dando a luz lo que se considera la llave de la pintura contemporanea,desde aquel entonces a trancurrido un siglo.
PICASSO-DALI(Más de 101 años del nacimiento de Salvador Domenech: DALI
Picasso y Dalí son posiblemente los artistas que con sus obras más han influido en la pintura del siglo 20,y en todo el arte actual.
De Pablo Ruiz Picasso, se ha dicho y escrito de todo.Desde que no sabía pintar,hasta que sus cuadros eran una autentica basura.
Para quien no lo sepa, Picasso fue un niño prodigio.Pintó su primer óleo cuando tenía 8 años y para cuando tenía 17 realizaba cuadros de una dificultad técnica tal dignas del mismisimo Velázquez.
La avidez creativa de Picasso le llevó a convertirse en un moustro de la pintura. Retratos,épocas clásicas,azules,rosas.Surrealismo,
cubismo, barbarie,collage.Tauromaquia,ceramica,escultura, que le llevaron a crear el propio estilo "PICASSO", y a convertirse en uno de los artistas más decisivos y prolijos de todo el mundo.
En el retrato "a pICASSo" he incorporado mucho de los elementos que fueron una constante en su obra y que se donominan ya clásico en la pintura de Pablo Picasso; palomas, arlequines, guitarras, figuras del gernica, y hasta me he permitido copiar la mano que aparece en su cuadro
"la Vida" de la época azul. Un humilde homenaje a uno de los genios de la pintura y el arte de todos los tiempos.
Con motivo del año DALI, se celebró en la capital de España un certamen de pintura conmemorativo de la fecha del nacimiento del universal pintor. El tema a concurso,claro esta, no era otro que la vida y obra del pintor Ampurdanes.
El retrato "Invertido" de Dalí resultó seleccionado finalista.
Despues de la selección y de la entrega de premios se podia recorrer la sala de exposiciones comprobando que la totalidad de las obras seleccionadas y expuestas alli, eran retratos del pintor de Cadaqués.
Si Salvador Dalí hubiese estado alli habría comentado...
"Que ausencia TOTAL de IMAGINACION. Tienen que pintar sobre DALI, y solo se le ocurre pintar mi cara"
(De las canciones de la trova cubana de Silvio Rodriguez en "DIAS Y FLORES" (1975) al poeta y dramaturgo Aleman Bertolt Brecht.)
HAY HOMBRES QUE LUCHAN UN DIA Y SON BUENOS...PERO LOS HAY QUE LUCHAN TODA LA VIDA...
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Hace poco mas de 20 años que escuche y lei por primera vez a estos dos luchadores de la palabra.Y cuando uno tiene 20 años, como era mi caso por aquel entonces,cree en su ignorancia, que lo sabe todo sobre la vida y sobre las cosas del mundo.Pero realmente la informacion y los conocimientos que a esa edad uno posee son partidistas,desproporcionados,insuficientes y muy de andar por casa.Uno entonces lucha por las cosas en las que cree estimulado por poetas,cantantes,escritores,hombres de bien que como nosotros son y fueron jovenes una vez.Y luchas por las cosas y por tus sueños como si en ello te fuese la vida.Pero a medida que esta pasa, nos damos cuenta de que hay cosas que no podemos,ni se pueden cambiar y de que hay sueños que nunca llegaremos a realizar.Y cierto dia,sin proponerlo,dejamos de luchar y tiramos el fusil, o tiramos la toalla,mirandonos al espejo y diciendonos que ya no tenemos edad para seguir luchando.¿Es otra persona distinta a nosotros la que nos mira atraves de ese espejo? ¿Han desaparecido aquellos sueños con ilusiones y ventanas?
Al cumplir los 60 de edad la esposa de Dali, la eterna Galarina, comentaba:"YO SIGO PENSANDO DE LA MISMA MANERA Y SINTIENDO LAS MISMAS COSAS QUE CUANDO ERA UNA CHIQUILLA,ES EXACTAMENTE LO MISMO QUE CUANDO ERA NIÑA...PERO ES EXTRAÑO,PORQUE AHORA NO ES LO MISMO"
Este comentario lo quiero dedicar a dos personas que con su lucha cotidiana han hecho que me merezca la pena seguir teniendo 20años.
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J.Pollock decía:"Lo que se tenía que plasmar en la tela no era una imagen,sino un hecho, un sentimiento,una acción"
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.En la naturaleza misma, en el crecimiento de las plantas, en
En 1948 pinta "El salón de Dios"
"El Imperio de la Luz II"
El 1954 Magritte