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SURREALISMO,CUBISMO,ARTE DIGITALNADROJ
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ABSTRACTO EXPRESIONISMO IMAGENES ABSTRACCION
EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO SE BASA EN LOS RASGOS DEL SURREALISMO Y EL CUBISMO
(Obra de Elsa Gillari-Nadroj) Jackson POLLOCK organizó en New York una exposición que dejó boquiabiertos y confundidos al publico, la crítica y al mundo del arte Norte Américano.Pollock rompió con la pintura figurativa al enterrar figuras esquematicas bajo una densa maraña de líneas realizadas mediante el goteo de la pintura sobre el lienzo.Esta tecnica le valió el apodo de "Jack el goteador".Pollock intentó suprimir cualquier tipo de contacto directo entre el artista y el lienzo.
Jackson Pollock renunció al caballete tradicional para colocar sus lienzos en el suelo del estudio y verte o dejar gotear sobre ellos la pintura.La mezcló con arena,con materiales solidos.Este estilo expresionista abstracto tenía mucho en común con las pinturas de "accion libre" del surrealismo.A Pollock no le preocupaban los convencionalismos y su creatividad no tenía límites.Fusionó con éxito los rasgos del cubismo el surrealismo y el expresionismo, y en una serie de cuadros de pintura vertida consolido su propio estilo y una tendencia pictorica.
El artista siempre en evolución intentó años después volver a una pintura más tradicional.Pollock fué víctima de una depresión progresiva que junto con su alcoholísmo le llevaron a la muerte en un accidente de coche cuando intentaba volver sin éxito a la pintura con pincel. KANDINSKY,LA PINTURA, LA MUSICA DEL ALMAVASILY KANDINSKY LA MUSICA DE LA PINTURA
"El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es la tecla. El alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibra adecuadamente el alma humana".Esta frase de Kandinsky sintetiza una interpretación. no sólo suya, sino de toda una corriente que relaciona la música y la pintura modernara"UN CUADRO DEBE ESTAR COMPUESTO COMO UNA SINFONIA, Y DEBE PERCIBIRSE COMO UNA SINFONIA DE LOS SENTIDOS Y DE LOS COLORES"
(Vassily Kandinsky)
Cuando encontré los maravillosos cuadros de José Linares, enseguida me vino a la mente la estrecha relación que existe entre la música y la pintura. Recuerdo haberle comentado a Linares,
¿Estas obras tienen algo que ver con el concierto de Aranjuez
del maestro Rodrigo?...
¿Son escenas del Amor brujo de Manuel de Falla?...
¿O son la visualización de las danzas fantásticas del maestro Joaquín Turina?....
Desde los tiempos de la ilustración ciertos autores relacionaban intimamente la música con la pintura y viceversa. Estas teorias analizan varios aspectos de la sinestesia en la pintura y la relación entre el oído y la visión en las artes. Tras describir la historia de la relación entre el sonido y la forma desde la filosofía órfica y las teorías pitagóricas, profundiza en los pensamientos de ciertos pensadores importantes (por ejemplo, Newton y Runge) sobre las correspondencias entre las notas musicales y los colores del arco iris o la rueda y la esfera de colores. Más adelante, la tesis estudia los mitos y conceptos de la espiritualidad relativos al sonido y el color que ejercieron gran influencia en muchos artistas del siglo XX, a través de escuelas de pensamiento como la teosofía y la psicología, estudiadas por pintores, músicos y filósofos importantes en la evolución de las artes a principios del siglo XX como por ejemplo, Goethe, Rudolf Steiner, y sobre todo...Vassily Kandinsky.
La concepción de "Kandinky de una pintura que fuera capaz de reproducir la comunicación, "artista-cuadro-creador", se basaba en la música y su armonía: el color y el tono debían convertirse en armonías musicales, en los cuadros debían crearse acordes cromáticos que causaran en el espectador sentimientos de armonía o disonancias. Las reflexiones de Kandinsky sobre la gramática pictórica lograron Kandinsky fue el iniciador de una nueva tendencia atística. la abstracción, que sólo a partir de la Segunda Guerra Mundial se extenderá por Europa y EE.UU. Su pintura eruptiva y lírica también prefigura el dibujo informal de los años cincuenta, y su nueva experiencia influirá en la historia del arte al liberar al color de la servidumbre del objeto.
ECOLOGISMO MAS QUE UNA IDEA UN SENTIMIENTOEran los finales de la decada de los 90.El teatro MONUMENTAL de Madrid estaba al completo.Era casi media noche y en aquel instante nos hallabamos en el momento mas intimista de la actuacion.Joan Manuel SERRAT acababa de interpretar MEDITERRANEO y todas las luces se habian apagado.Solo un pequeño foco iluminaba su imagen sentado en su taburete de art decó. -"Hace mas de 20 años que compuse esta cancion de Mediterraneo.En ella queria que me enterrasen con vista al mar,pero viendo el desproposito de la raza humana,y como estan las cosas para el mar, lo mas seguro es que seamos nosotros, de seguir tratandolo asi, los que irremediablemente vallamos a su entierro.Por eso hice esta cancion en catalan titulada "LAMENTO AL MAR".Es una cancion que complementa de alguna manera "Mediterraneo". Una cancion que dice ;" Y despues de una pequeña traducción Serrat la cantaba y la gente se le entregaba rendida complice y participe de su ecologismo por que te hacia sentirlo dentro
ABSTRACCIONES GEOMETRICAS
(La Divina Proporción en el Constructivismo Universal de Torres-García)
Desde la simple concha de un Nautilo, hasta las proporciones morfológicas de una abeja, pasando por la construcción del rostro de la Mona Lisa, todo son proporciones áureas. El “Hombre Perfecto de Vitrurio” que ilustra el libro de Luca Pacioli la “Divina Proporción” donde las partes de su cuerpo son proporciones perfectas, en todos ellos aparece el Número de Oro.
El número áureo esta encerrado en la Gran Pirámide de Keops, circunscrito en los rectángulos de nuestro carnet de identidad, en la surrealista obra de Leda Atómica del universal ampurdanés Salvador Dalí Para el pintor Uruguayo Torres-García en la divina proporción se encontraba encerrado nuestro universo. Sus composiciones constructivas se disponen en estructuras rectangulares y octogonáles pautadas por mediación de la sección áurea, trazos, líneas, símbolos e imágenes universales que transmiten del hombre lo más profundo de sus raíces. Lo animal, lo afectivo, lo humano, lo celestial, en definitiva el universo... Esta inclinación innata de Joaquín Torres por la universalidad, le hizo único y diferente ....”Nuestro Norte, es y será siempre Nuestro Sur”...  De madre Uruguaya y padre Catalán, Torres-García se forma en España, conociendo a Picasso , a Miró, asimilando para sí el arte y el modernismo que reina en Europa. Es el primer artista que funda una asociación de pintores Abstracto-Geométricos. Después de permanecer varios años en Nueva York, regresa al viejo continente y se instala en Paris. Allí conocerá a Theo Van Doesburg y a Mondrian, y juntos con Michel Seuphor fundaran y darán cuerpo y forma al grupo Cercle Et Carre. Elabora poco después, lo que aposteriori, le dará fama mundial y por lo que será reconocido tiempo después, los llamados fundamentos del Universalismo Constructivo. En ellos sintetiza los elementos del cubismo, del surrealismo, y del neoplasticísmo. Sus obras se distinguen por la innovación en los sistemas de abstracción constructiva, por la importancia consustancial de la superficie pictórica y por sus afirmación sistemática de la función metafísica del Arte, más allá de la mera estética.
El Universalismo constructivo es el testamento teórico de Torres-García. Funda así la primera asociación de Arte Constructico y más tarde la Escuela del Sur. ....”Hacer de lo ajeno, sustancia propia, y así crear una nueva y positiva originalidad nuestra...” Torres propone así la creación de un estilo inédito hasta entonces, basado en sus conocimientos e ideas. La formación en su país natal de la Escuela del Sur, no es sino la profunda convicción de Torres de que la herencia del Arte Moderno y la del Arte autóctono Indoamericáno, darían como resultado un estilo de carácter único y de validez Universal...el universalismo constructivo....
NOTA:( La Idea Original de este Articulo-homenaje a Torres-Garcia, partió de la pintora Uruguaya Helena Arregui , que junto con los artistas Edson Franco y Alberto Nadroj, pertenecientes al grupo ARCADIA 2012, recopilaron los datos y crearon los dibujos para la confección de dicho artículo.) SURREALISMO(La pintura fantastica de René Magritte)
"Yo creo que esta simultaneidad del día y de la noche tiene el poder de asombrarnos y cautivarnos. A este poder lo llamo poesía".
René Francois Ghislain Magritte(1898-1967) el pintor Belga del Hombre con Bombín. Magritte es uno de los artistas más relevantes y emblematicos del pasado siglo XX.
Su particular y personal modo de interpretar la realidad y la fantasía, le situan en los mismos vertices del surrealismo ultranza y entra de lleno a formar parte en el denominado "arte fantástico." Max Ernst : "Hace un tiempo Magritte"... La creatividad de René no tenía limites.A lo largo de su vida realizó más de 11.000 cuadros y 700 gouaches.Además,diseñó carteles e ilustró infinidad de partituras musicales.Sus obras se han convertidos en verdaderos iconos surrealistas, versionadas y recreadas por otros artitas hasta la saciedad.
Con esta obra daría comienzo el apasionante misterio entre el día y la noche que envolverá gran parte de la obra de Magritte.A partir de entonces la famosa serie "El imperio de las luces" inspiraría diversas recreaciones y variaciones del propio Magritte y de artistas diversos como Johan Meij. "Yo me puedo imaginar un paisaje soleado bajo un cielo nocturno; pero verlos y plasmarlo en un cuadro, esto es cosa que sólo un dios podría hacer. Esperando que algún día me convierta en un dios, renuncio por lo pronto a realizar el proyecto"...(René Magritte) Esta nueva versión de Magritte data de 1950 Como es habitual en el surrealismo,esta obra obliga a reflexionar sobre lo que se suele aceptar como normal,al perturbarnos y distorsionar nuestra percepción corriente del mundo que nos rodea.En este caso, hechos tan habituales como la noche o el día.
vuelve a versionar el tema titulandolo: "El Imperio de las Luces". El cuadro en su conjunto está impregnado de una atmósfera misteriosa y obsesiva,creada por la visión y reproducción casi fotográfica que hace Magritte de una simple escena cotidiana.La distorsión entre el día y la noche resulta así más profunda, por parecernos tan real pero a la vez ficticia. "Todo lo que es visible oculta otra cosa invisible." René Magritte
(Este artículo va dedicado a la pintora Argentina Elsa Gillari, por amar el arte, a Magritte y por enseñarme las cosas invisible que se esconden detras de ellos) Museo nacional Reina Sofia(Museo nacional centro de arte Reina Sofia)YO, EL ARTE (Performance Art-Grupo ARCADIA 2012) El pasado 25 de Noviembre en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, ubicado cerca de la popularmente conocida estación de atocha,se produjo un acontecimiento de extraña naturaleza...
Con la creación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se dio solución a la necesidad de un proyecto museístico que reflejase la contemporaneidad artística española en relación con el contexto internacional. Su colección inicial se conformó con fondos de diversa procedencia, entre ellos los del extinguido Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC) y la colección de arte del siglo XX del Museo Nacional del Prado, que contaba con el importante conjunto de obras de Pablo Picasso relacionadas con Guernica. Los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía abarcan obras realizadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Hoy, la pinacoteca cuenta con aproximadamente 16.200 obras, que dan cabida a todo tipo de técnicas artísticas: en torno a 4.000 pinturas, más de 1.400 esculturas, casi 3.000 dibujos, más de 5.000 grabados, más de 2.600 fotografías, alrededor de 80 vídeos, una treintena de instalaciones y otras tantas vídeo-instalaciones, más de 100 piezas de artes decorativas y 30 de arquitectura. De ellas, sólo se exhibe formando parte de la exposición permanente una selección de aproximadamente un 2%. La Colección del Museo se configura actualmente como cauce donde fluye el relato de la modernidad artística española y su interacción con los discursos y las prácticas que vienen definiendo el quehacer artístico en el ámbito internacional, concibiendo este relato como un espacio crítico donde se produce el encuentro entre museo y sociedad.
ARTE ABSTRACTO-ACTION PAINTINGARTE ABSTRACTO-ACTION PAINTING,PINTORES CON CORAZON Posiblemente sea con la "action painting"con la tendencia o el estilo que más disfruta y exterioriza su creatividad los pintores amantes del arte abstracto. La PINTURA EN ACCION o PINTURA GESTUAL, como asi se denominó a este estilo, se formó en los finales de los años 50 y principios de los 60 en Estados Unidos.Sus principales creadores (J. Pollock,Franz Kline) tomaron como referencias los antiguos automatismos de Masson y de otros surrealistas. Pintura dictada por impulsos interiores del artista que apartaba la "razón consciente"para dejar brotar la más inconsciente de las creatividades. Como es este maravilloso cuadro de Helena Arregui, donde se nos transporta al mundo unico e interior del artista. Pero las autenticas raices hay que buscarlas antes del surrealismo, entre l1910 y 1920. De la multitud y variedad de tendencias,estilos y movimientos pictoricos existentes en el mundo del arte, el llamado ARTE ABSTRACTO, es sin lugar a dudas, uno de los más transcendentes y significativos a lo largo de todos los tiempos y que más hondo a calado entre los pintores y artistas de distintas épocas.¿Cual es el motivo, cual es la razón de que esto sea asi?
El arte abstracto representa formas que no corresponden , ni a objetos, ni a imagenes del mundo exterior, de ahí que el alma del artista tienda a transmitir desde el incosciente sus verdaderos sentimientos.Este es el principal calado entre los artista que pintan desde el corazon. Articulo dedicado a Helena Arregui,una artista que crea desde lo más hondo de su interior. DUCHAM R.MUTT Y LA "FUENTE"Marcel Duchamp: "El azar interviene tanto en la vida como en el ARTE."
La famosa obra "la fuente", (más conocida como el urinario) es posiblemente la obra
más controvertida y decisiva de los últimos tiempos en el mundo de las bellas artes.
Su puesta en escena revolucionó las bases de lo que hasta entonces se conocia como;
"obra de arte".Convulsionó los cimientos y la concepción clásica del mismo arte.Desde su
polémica aparición ha sido víctima de 3 atentados.El último de ellos en PARIS en el centro
POMPADOU. Un hombre de 77 años de edad fue detenido por la policía por golpear con un
martillo la porcelana de la "fuente". Ante la preguntas del juez, el anciano declaró que con
su acción pretendía hacer un homenaje al DADAISMO.
En 1917 en la galería "GRAN CENTRAL DE NEW YORK", se celebró una exposición
de arte independiente.Marcel Duchamp fue invitado como jurado para la mostra.Las obras
en concurso pasaban una selección previa antes de presentarlas para su exhibición.En un
momento dado la obra de un tal R.MUTT apareció ante la mirada atónita del jurado. El presunto
artista habia tenido la desfachatez de presentar para la mostra un urinario de porcelana
blanco, sin más aditivos que su propia firma. La obra por supuesto fue desestimada y
Marcel Duchamp entonces reunió a todo el jurado para confesarles que la obra en cuestión
no era del tal R. MUTT, sino de su propia autoria.
Esta puesta en escena de Marcel Ducamp revolucionó y causo estupor tanto en el publico, la critica
como en todo el mundo del arte.Puso con su acción en entredicho la concepción de la obra de arte y
llego a cuestionar al arte en sí y su concepto en general.
La innovadora y revolucionaria aparición de la fuente a propiciado hasta nuestros dias
multitud de tendencias y de movimientos artisticos en torno a este mismo concepto.
Proximamente la "fuente" pisará por primera vez suelo Español.Comisionada por Archille B.Oliva
será expuesta en el museo "Vostell Malpartida".
Esperemos que las medidas de seguridad se han las adecuadas para tal evento, ya que la casi
centenaria obra de Duchamp, no podria resistir otro nuevo atentado.
SIMBOLISMO   Eduard Munch:
"PARA LIBRARME A MI MISMO DE MIS DEMONIOS"
El simbolismo tiene una difícil definición por no desarrollarse mediante un estilo concreto y unitario.
Es más bien, la concurrencia o concomitancia de estilos y encuentros pictóricos personales e individuales en los cuales los artistas concretan sus sentimientos,su fantasía, sus estados de animo y sus sueños.
 (La pintora mejicana Ivonne Galván tomando como punto de partida un surrealismo "naturista y emotivo",llega con su obra a recrear una íntima expresión que acerca al espectador tanto a su experiencia personal como a su espiritualidad más profunda) Los artistas de finales del siglo 19, tras la aparición de la "realidad objetiva" auspiciada por los nuevos conocimientos y avances tecnológicos de aquellos tiempos ,anhelaban una profundidad artistica más espiritual y la idea concreta del "sentimiento", que a su parecer debía expresar toda obra de Arte.
 Los simbolistas dieron forma al mundo de su interior, a un mundo interior subjetivo y fisico, creando un movimiento "idealista" con sus obras y cuadros llenos de simbolos personales y significados propios.El simbolismo como movimiento es el lazo de unión entre el impresionismo y el expresionismo.Nexo postimpresionista inclinado hacía un modernismo que unió a los artistas tanto en la forma como en los contenidos.
(La pintora y escultora Argentina Elsa Gillari en su neosurrealismo se desmarca de otras influyentes corrientes artisticas para crear un mundo visual lleno de simbolos pictóricos con los que articula un idioma "abstractivo simbolista",lleno de personalidad e ingenio.) Entre 1880 y 1900 todos los ambitos de creación artística se vieron afectados y los literatos y poetas que comulgaban con los pintores simbolistas, adoptaron un caracter de evasión y ensoñación personal, al tiempo que rechazaban el objetivismo,las tecnologías y el materialismo.Los simbolistas renegaban de la sociedad que percivian como DECADENTE y se consagraron a la espiritualidad y al sentimiento.
 Albert Aurier Critico de ARTE:
El Arte debe de ser, "idealista", puesto que su ideal , es la expresion de las ideas .
Y tambien debe de ser ""simbolista" puesto que debe expresar dichas ideas atraves de formas.
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Invite as friend
.En la naturaleza misma, en el crecimiento de las plantas, en
En 1948 pinta "El salón de Dios"
"El Imperio de la Luz II"
El 1954 Magritte
